Marco Furia: “Istoriato di Rosa Pierno, una coinvolgente concisione

Rosa Pierno “Istoriato”, Gilgamesh editore, 2020,
disegno  in copertina di Stefano Iori

“Istoriato”, di Rosa Pierno, affronta con precisa determinazione il non facile argomento della passione amorosa.

Cosa pensa Rosa dell’amore?

All’autrice, mi pare, più che rispondere in maniera decisiva a simile domanda, interessa proporre efficaci frammenti.

Il racconto c’è ma è compito del lettore estrarlo, poiché la sua attenzione (assiduamente richiamata da ogni frase, perfino da ogni vocabolo) si svolge in àmbiti in cui ampia è la possibilità di scelta.

Le parole sono lì ma non costringono, non conducono ad esiti predeterminati, restano aperte.

Cito ad esempio:

“Si chiama amore anche la più disperata estraneità. L’intimità stessa non è pensabile senza il miracolo della diversità: so che siamo intimi solo se siamo separati, so che siamo distanti solo perché siamo intimi. Le differenze producono uguaglianze sulla linea di un crinale; è un istante e poi vi è il precipitare”.

Non può esistere differenza senza uguaglianza, d’accordo, tuttavia qui viene aggiunta “la linea di un crinale”: di più, “è un istante e poi vi è il precipitare”.

È possibile sottrarsi a simile abisso?

Cito ancora:

“Passione non si sottomette alla ragione, la comprende e con uno sgambetto la fa cadere, le dice sei l’altra, l’unica e la tradisce issando emotive giustificazioni. Ragione risponde che le piace: anche lei ama la perversione”.

Una ragione emotiva può essere d’aiuto?

Ragione ed emotività sono opposti secondo canoni rigidi, schematici, non nel flusso della vita.

Occorre saper osservare.

Un esatto sguardo idiomatico ci conduce lungo un complesso percorso: l’occhio-parola di Rosa si rivolge tanto all’esterno quanto all’interno, tanto all’altro quanto al sé e noi non possiamo smettere di ascoltarlo.

Degna di nota è la dichiarazione:

“Tentare di descrivere è esercizio basilare. La dama si attiene a empirica osservazione. Non casca nella rete della spiegazione, non ammissibile, d’altronde, in un testo pieno d’immagini, con parole monche, al limite dell’afasia”.

L’autrice parla del suo stesso testo?

È possibile: il “limite dell’afasia” non è superato, poiché “Istoriato” dice, eccome.

Dice di sentimenti e di emozioni, d’immagini e di pensieri: il tutto senza correre il pericolo di cadere “nella rete” di spiegazioni che, inevitabilmente, chiudendo il discorso, finiscono con l’allontanarsi dal divenire esistenziale.

Viene promossa, qui, la ricerca di significati, di valori, secondo un metodo di poetica analisi che, senza definirsi, propone la propria indubbia efficacia: certo, possiamo accettare o meno tale (a mio avviso, condivisibile) metodo ma, in ogni modo, siamo chiamati a pronunciarci.

Insomma, siamo coinvolti: non è poco.

                                                                                                   Marco Furia

Rosa Pierno, Istoriato: l’Amore e il possibile

Rosa Pierno “Istoriato”, Gilgamesh Edizioni, 2020
Immagine in copertina di Stefano Iori

I poeti medioevali associavano la gentilezza del cuore al sentimento amoroso e, ancor più, alla capacità di cantare d’amore stringendo così in un nodo strettissimo amore e poesia. Rosa Pierno conosce bene questo legame e l’ampia tradizione letteraria che ne deriva, l’attraversa con sicurezza, con l’agilità di chi sa osservare con uno sguardo nuovo.

Amore è protagonista di Istoriato che scompone i generi per essere un poemetto (sul modello caro alla tradizione francese), una poesia narrativa che esplicitamente dice di non avere una storia da raccontare.

L’architettura del libro si snoda in un Proemio e in un testo che assorbono dalla prosa la compattezza della scrittura che non va a capo e mutuano dalla poesia la struttura sintattica, che procede attraverso l’anastrofe, la musicalità di rime e assonanze, la preziosità di un lessico colto, interno alla tradizione della lirica amorosa. Ma è soprattutto la forza compositiva e immaginativa a segnare l’opera.

Già il titolo adombra un’ambiguità: istoriato è la figurazione di un fatto, è illustrare, rappresentare. Il fatto è l’eterna vicenda amorosa di due amanti, uniti e separati nel contempo, ma è una vicenda sul confine tra l’essere vissuta, dipinta, raccontata.

Questi tre livelli del fatto si mescolano nel Proemio e si chiariscono progressivamente nel testo. Anche se il titolo e alcune frasi come È la storia degli amanti dipinta su un fondale deporrebbero per una superiorità dell’immagine, non è importante stabilire quale di questi livelli sia preminente. Il nucleo del libro sta nel loro intreccio: i piani si mescolano, cadono uno nell’altro, si incuneano e si modificano continuamente. Rosa Pierno tesse tre fili mettendo in scena l’Amore, ma più profondamente il rapporto tra realtà e finzione, tra vita e arte, tra logico e illogico. Artificio (che è anche il titolo di una precedente raccolta poetica dell’autrice) è parola cardine che rimanda all’abilità tecnica, alla capacità artistica, a quella finzione così diversa dal falso.

Per questo, la struttura del testo è complessa, come nelle scatole cinesi si potrebbe ricostruire in questo modo: all’origine ci sono due amanti, i primi che hanno varcato il mondo oppure io e te, la storia del loro o del nostro amore diventa traccia dipinta su un fondale, su una stoffa di seta preziosa, questa infine diventa materia del racconto quando le parole cascano come fronde di salici piangenti e riempiono il vuoto del dipinto e della separazione. Tuttavia questa è solo una ricostruzione possibile, ordinata secondo un senso cronologico o secondo un grado ascendente di complessità: dalla realtà all’immagine alla parola. Ma l’Amore è contrario a ogni logica, al suo fondamentale principio di non contraddizione, alle sue leggi: Impossibile narrare la storia di una passione: non se ne può trarne alcun concetto e nemmeno legami di causa-effetto. Ogni ricostruzione è fallace. Infatti il testo si snoda attraverso coppie oppositive (qui si narra una storia d’amore / [Amore] non ha storia; furente / sereno; accorato / sordo; disio / ripulsa solo per citarne alcune), avanza attraverso un’impalcatura di ipotesi scandita da “o”, “oppure” e l’inquietudine dei punti interrogativi.

Tutte le ipotesi si possono scompigliare e poi riordinare secondo una qualsiasi regola o in maniera del tutto casuale. Ciò che si compone, ma anche si scompone, davanti ai nostri occhi, è un arabesco in cui ogni livello scivola nell’altro e lo trasforma. Così Rosa Pierno passa continuamente da un piano all’altro sia nel tessuto dei contenuti (gli amanti fin dall’inizio amano dipingersi, sprofondare l’uno nel corpo dell’altro aggrappandosi ai nodi delle stoffe dipinte, alle parole che dondolano con l’affannato respiro) sia nell’impasto di più soggetti logici: la prima singolare, io, e la terza plurale, gli amanti, soprattutto. Continuamente si è sbalzati da un piano personale (l’identificazione è forte quando il lettore legge io) ad uno più generale. 

Si ricostruisce la scena (reale, dipinta, narrata, vissuta, sognata, individuale, collettiva) mediante gli attori che la subiscono e l’agiscono. C’è l’io che è soggetto lirico, riflesso identitario del lettore (perché io è di chi lo dice), ombra dell’autrice che si specchia anche nelle espressioni come scrittrice che però è già un altro attore, un’altra funzione. Ci sono gli amanti persi e ritrovati nella vicissitudine amorosa fatta di acquisizione e mancanza, di un equilibrio sempre precario tra verità e menzogna, tra dolore e gioia, tra l’esultanza e la stanchezza dei sensi. Ci sono gli spettatori che sono i lettori che entrano nella storia anziché osservarla soltanto. Ci sono le figure mitiche di Euridice e Psiche che ci ricordano che l’amore è fatto soprattutto di voce e sguardi. I poeti sanno che l’amore passa attraverso gli occhi e sussurra sospirando. La voce a Euridice viene sottratta: lei segue muta Orfeo nel cunicolo desolato degli Inferi che l’amato ha attraversato per riscattarla dal suo destino di morte. Lo sguardo dell’innamorato che dovrebbe salvarla la uccide una seconda volta: Euridice scivola all’indietro ripiombando nell’ombra. A Psiche è sottratta la vista: Eros non si svela, la ama appassionatamente solo nelle tenebre della notte. Lo sguardo di lei, che alla luce della candela contempla la bellezza del suo amante, è fatale all’amore: Eros l’abbandona e solo dopo lunghe traversie Psiche si potrà ricongiungere a lui. Infine, ci sono Amore, Passione, Ragione, soggetti individuabili attraverso la personificazione, entità che accompagnano la vicenda degli amanti, in guerra l’una con l’altra, pronte a distruggersi o a sorreggersi. Amore può sprofondare nel disamore, Passione non si sottomette alla ragione, Ragione ama la perversione.

Tutti questi attori intrecciano le loro storie poiché Istoriato è il testo privo di omogenea narrazione, il quale raccoglie i fili e li riannoda e altrove li slega per vederli nuovamente scorrere nel fiume, fluidamente. I fili si annodano e si sciolgono grazie all’assoluta potenza del caso: ogni minimo particolare, trascorrendo da un piano all’altro, inserisce una variazione che finisce per mutare la storia, il dipinto, il racconto. Per questo la storia non è una storia, è la volubile mutevolezza del caso non contenibile in un racconto che abbia capo e coda. Persino gli spettatori-lettori si affacciano nella storia, si annoiano, si posizionano, mutano e vengono mutati. Si scorge la lezione ariostesca filtrata attraverso Calvino: ogni personaggio trasforma la storia, non è mai spettatore inerte. I confini si fanno permeabili.

Ad Ariosto rimanda anche il lessico relativo allo spazio, elemento narrativo fondamentale anche se siamo dentro una non-narrazione o meglio dentro una narrazione che confessa l’impossibilità di narrare. Lo spazio è un labirinto, dove si corre a vuoto e si torna insistentemente al punto di partenza. All’insensatezza del movimento che finisce per coincidere con l’immobilità, col paradosso in cui tutto cambia tornando su se stesso (e questo allude anche alla ripetitività dell’amore che da secoli ha sempre la stessa parabola eppure è nuovo ogni volta), corrisponde l’assenza del tempo perché Se è un racconto senza tempo, non te ne puoi definitivamente andare. 

Così si dispiega la potenza dell’Amore, che è in fondo la potenza del caso, la possibilità del cambiamento perché chi non sappia all’amore abbandonarsi, morir non sa, né storia terminare.

Enza Silvestrini

Franco D’Antuono: la pelle della carta

Le tre carte incise di Franco D’Antuono sono monumentali non tanto per la dimensione, quanto per la potenza iconica che sprigionano. La sola loro presenza crea uno spazio di rarefazione, di silenzio, che ci accoglie come una cattedrale. Non è soltanto l’immacolata delicatezza del bianco a determinare la zona neutra, lo spazio riservato e raccolto che emana dalle carte, quanto la scoperta di una calligrafia senza lettere, di una campitura del foglio che non lascia intonso se non uno strettissimo bordo e che si erge come qualcosa che reclama una decifrazione, pur essendo solo una serie ritmica di marche. 

Il ritmo è cifra simbolica. Istituisce una chiave di lettura che sorpassa le consapevolezze razionali per intridersi d’interiorità e far scattare alcuni grimaldelli. È un codice che appartiene al cosmo come all’essere umano. Il ritmo, calibrato con una manualità sapiente ed allenata, solca la carta, ne contrae o ne lascia intonse le fibre, facendoci riscoprire il ritmo che scandisce  il nostro respiro. Qualcosa di pre-verbale e, al tempo stesso, di superbamente iconico, quasi come se solo dalla presenza della prima si potesse accedere e installarsi nella seconda.

La serie delle carte realizzata nel 1990 s’intitola “Sulla pelle”, come se lasciasse fuoriuscire dai tagli inferti col bisturi luce in forma fluida, plasma vitale. La colatura luminosa sembra bagnare le incisioni e, a sua volta, vi defluisce. La realizzazione di una simile opera nasce da una progettazione e da un allenamento che si rivela necessario affinché il gesto sia scorrevole e preciso, uguale, avente la medesima intensità. Il tempo scandito dal ritmo delle incisioni richiede perentoriamente di coincidere con il tempo dell’adesione all’opera, ecco perché dicevamo che, sia nel realizzarla sia nell’atto della fruizione, è necessario divenire una sola cosa con la scansione visiva determinata dalla segnatura procurata dal bisturi.

Le tre carte mostrano una diversa tessitura di segni incisi. Un certo sapore orientale spira tra di esse per la cura e l’attenzione portate al materiale e al gesto che lo trasforma, ma esse sono anche profondamente innestate nella tradizione occidentale che marca le distanze tra verbale e icononico.

Il segno non è certamente il prodotto di una macchina. La concentrazione per effettuare un tale lavoro coincide con un vuoto procurato dentro di sé: non è infatti questo un lavoro che si possa compiere nei ritagli di tempo. Richiede una dedizione mentale e fisica che la carta ci restituisce, reclamandone altrettanta da noi che ci accingiamo a comprenderla.

Un elemento fondante dell’immagine è il rapporto fra figura e fondo con il fondo/superficie che diviene figura, instaurando una scultura al suo minimo grado, poiché tutta basata sulle evenienze della superficie, sull’intercettazione di una luminosità che a tratti schiva il foglio e a tratti ne rimane intrappolata. La figura è la superficie stessa lavorata ad intaglio e consiste nell’alterazione ritmica della superficie. 

Cavare le interiora di una superficie sarebbe azione paradossale se non si rivelasse concretissima. Scopriamo che anche la bidimensionalità di un materiale è un concetto da non accettare in maniera dogmatica. In arte, e solo in arte, pare possibile sfondare, pertanto, le usuali convenzioni.

                                                                                Rosa Pierno

Mario de Candia sulla mostra “Natura umana” di Paolo Di Capua presso l’Istituto italiano di cultura a Rabat, dal 9 gennaio al 28 marzo 2020.

La mutazione e la variazione sono l’unica costante della realtà , con essa anche dell’arte, della quale non rappresentano altro che la fattispecie di uno specchio, magico se si vuole, sulla cui superficie sguardo e oggetto si incontrano trasformando un immagine in visione. 

Variazione e mutazione sono per Paolo Di Capua la necessaria rappresentazione evolutiva di un immagine in movimento, quindi viva e, per sua natura intrinseca, instabile: la scultura di PDC parla di “visione”; si concentra sull’aspetto in divenire della forma che la stessa visione inscrive al suo interno; pensa l’esperienza reale con la materia, facendola vibrare attraverso la luce e così consegnandola, hic et nunc, allo sguardo. Tutto ciò in assoluta sintonia con quell’esperienza artistica della metà del ‘900 che ha contribuito alla formazione di un pensiero elastico e più preciso, pronto alle mutazioni della realtà, attento alle trasformazioni delle forme e a come una “cosa” si tramuta in un'altra. Secondo l’artista, l’opera d’arte vive in quanto parte di un processo infinito che inquadra la mutazione e la variazione come prerogativa stabile della scultura.

Le sue opere esistono in un continuum spazio-temporale, ma sottoposte ad un processo di variazione, tanto discreta quanto determinata e costante. Tale variazione è messa in atto non solo attraverso un un evolversi in fieri dell’opera stessa; ma anche attraverso il suo dialogo con l’ambiente circostante: il significato dell’opera e la sua interazione col pubblico variano anche e necessariamente a seconda del contesto nel quale questa viene esposta.

Basato sulla “ripresa” di elementi lessicali consimili, questo continuo variare genera una frammentazione della percezione. La scultura in questo modo assume infinite potenzialità che non complicano, né tanto meno semplificano l’esperienza cognitiva dell’osservatore, ma anzi la organizzano. È così che la materia che l’autore ha tra le mani diviene essa stessa mutevole e non sente il bisogno di necessariamente approdare ad uno stato o stadio definitivo rispetto al tempo e/o allo spazio. La nozione secondo cui il lavoro dell’arte è un processo irreversibile che sfocia in un oggetto-icona statico non è più una preoccupazione primaria: l’arte viene piuttosto rifocalizzata come energia tesa a condurre ad un cambiamento di percezione.

L’attenzione che Paolo Di Capua rivolge sia alla materia sia alla sua inseparabilità dal processo non vuole affatto enfatizzare i mezzi, ma suggerire e rafforzare l’idea che l’arte stessa è un’”attività” di cambiamento, di disorientamento e di dislocamento, di discontinuità e mutabilità: una ricerca volontaria della “con-fusione” insita nella natura umana, in funzione, anche, della scoperta e sollecitazione di nuove modalità percettive del mondo.

La scultura, con PDC, non è un’icona, non è un’entità statica, non può essere delimitata né materialmente né concettualmente. I suoi confini non sono stabili e stabiliti da quel “a tutto tondo” che pur essa contempla e pratica. L’attenzione è nella ricerca, nel processo, nella tenace esplorazione di forme della visione. 

Attraverso tale elaborazione creativa, le sue opere acquisiscono una profondità ed una stratificazione che abbraccia la causalità e manipola la luce per aprire uno spiraglio su un’altra dimensione, sulle molteplici storie che racchiudono. È evidente che tali opere non intendono spiegare la realtà, ancor meno rappresentarla, bensì proporre dei suggerimenti, degli inviti alla scoperta. Ma anche riprendono la questione annosa della ricontestualizzazione generale dello statuto dell’osservatore così come del “luogo” dell’osservatore moderno pensato dall’”arte”.

In un momento storico di ingorgo tecnologico, di traduzione dei codici linguistici in codici visivi, di produzione di immagini a livello incontrollabile e di pratiche visive che hanno soppiantato quelle tradizionali, Paolo Di Capua si interessa alla vita di “una” immagine, suo progetto da decenni, in tutti i suoi mutamenti e possibilità di forma, senso, direzione e significato in stretta relazione con la posizione di un osservatore in un mondo reale. In questo senso, le sue opere possono essere guardate come parti, “frammenti”, che fanno parte di una sequenzialità ininterrotta, o come si usa dire di uno stesso racconto interminabile.

Come qui le vediamo, le parti che compongono il lavoro possono essere guardate come varianti di una parte precedentemente esposta, come quasi delle “riprese” musicali. Tutte originali nella loro unicità, tutte al contempo legate ad una visione iniziale, primigenia, unitaria; tutte sintoniche alla concezione attuale che guarda alla scultura quale disciplina elastica, viva e investigativa e come “questione” in divenire, sempre volutamente incompiuta nella sua pur fisica compiutezza.

                                                                              Mario de Candia

“Ripetita”, libro-scultura di Vito Capone, 2019

Libro-scultura di Vito Capone, “Repetita”, in carta riciclata fatta a mano, sagomata e scolpita, colorazione vegetale, ottobre 2019, 23x26,5x8,5

Un libro è sempre anche un monumento: racchiude un sapere specifico e spesso rimanda a un sapere perduto. E ancor più il libro antico, il quale, ammantandosi delle profondità intestine della storia, diviene quasi una concrezione, che, mista a polvere, stratifichi plurime direzioni di senso.

I libri di Vito Capone rappresentano il libro in quanto forma inseparabile da un contenuto, anche quando questi ultimi siano illeggibili e le pagine non siano separabili. Essi ci ricordano che il libro antico sfiora l’unicità del libro d’artista con la sua intangibilità, i suoi tarli, le sue macchie, il suo mistero, evocando tutti i libri del mondo.

Repetita, uno dei lavori eseguiti nel 2019, in carta riciclata fatta a mano, sagomata e scolpita, avente colorazione vegetale, è un libro già aperto su pagine in parte strappate, con un’imponderabile testo; vergato a scalpello nella carta, si direbbe.

Le pagine conservano il moto della mano che le ha sfogliate, hanno raggelato l’attimo, rendendolo marmoreo.

Con le grinze procurate dall’umidità, la cui presenza è oramai  percepibile solo attraverso i danni procurati alla materia, e le parole che fuoriescono dalla tumultuosa carta, anche la lettura è come rappresa. Il lettore ha la sensazione che leggere sia un atto perdurante, che non si possa dismettere e che nemmeno si possa effettuare. Sorta di sacro recinto determinato dalla sua stessa presenza, nel quale si rimanga prigionieri. I libri irretiscono e nessuno sa farlo meglio dei libri di Vito Capone, poiché divengono emblemi di una cesura fra naturalezza e artificio!

I libri-biblioteca dell’artista pugliese non si possono sfogliare e non danno la possibilità di essere aperti. Dichiarano che ciò che si può evincere è tutto esposto e che il mistero è il vero cuore dei volumi.

Oggetto fragile ed eterno, insieme, che se dispare lascia un vuoto che è  segno. È un libro simbolo che vale un’intera biblioteca e lo immaginiamo accampato in una teca all’ingresso delle biblioteche storiche, sorta di avvertimento: “Hic sunt leones”.

Il taglio preciso, in diagonale, che percorre le pagine aperte, mostra un bordo irregolare che non corrisponde al taglio, come se la carta fosse proliferata, vero e proprio organismo vivente, per ricostituire l’unità perduta. La polpa / scrittura schiumeggia, s’arroga il diritto di divenire volume, al pari delle magnifiche incisioni lapidee della scrittura cuneiforme sulle quali vorremmo far scorrere la mano. Il visivo si rovescia in tattile, la carta generalmente morbida, qui presenta una rigidità monolitica, la scrittura è anche tridimensionale. Il libro di Vito Capone opera una serie di cambi di passo che trasformano l’oggetto quotidiano in oggetto da conoscere, che vale a prescindere dal suo scopo. E la conoscenza, si sa, è la più chimerica delle nostre imprese!

                                                                        Rosa Pierno

Françoise Ascal “La barca dell’alba. Camille Corot” Pagine d’arte, 2019

                                                  LAC Shop Lugano

17 dicembre 2019 ore 18,30

presentazione dei due nuovi libri su Corot 

e della prima Cartella Rovio 

con una prosa d’arte di Andrea Fazioli e un’acquaforte di Carla Ferriroli

Quando il territorio in cui ha vissuto Corot è il proprio territorio, allora parlare della sua pittura vuol dire parlare di un paesaggio che coincide con le proprie memorie. Straordinario affresco avente la consistenza di un multistrato, la narrazione di Françoise Ascal, velo dopo velo, adagia ricordi dei propri parenti di qualche generazione precedente e scopre al contempo che la pittura riesce a essere chiave di volta, mediazione tra il ricordo e l’osservazione.

D’altra parte, “Ciò che nasce sulla tela non è il paesaggio ma il ricordo del paesaggio”, la pittura stessa prende la distanza dal reale ed è “emozione meditata”. Sul filo di una riflessione che infilza cose diversissime tra loro, mostrandocele come una matassa ingrovigliata, l’autrice imbastisce una stretta relazione fra i suoi quaderni e quelli su cui Corot prendeva appunti, quei primi studi che poi utilizzava nel suo atelier.

Ascal, percorrendo la biografia e le tecniche utilizzate da Corot, svolge contemporaneamente anche la vita di Camille, fratello della nonna dell’autrice, morto giovanissimo in guerra. Nonostante il grado d’istruzione non elevato del suo parente,   il quale ha percorso le stesse vie di campagna e ha pescato nel medesimo fiume di Corot, la scrittrice sente con certezza che egli ne avrebbe compreso i quadri, riconosciuto la forza struggente di quella tavolozza ristretta, con i colori monotoni, che i critici  rimproveravano a Corot.

Seguendo ciò che ama, i ricordi, la visione della campagna, Ascal traccia una trama originalissima che penetra nei quadri, ammantandoli di aneddoti e intuizioni ed essi, a loro volta, investono la sua riflessiva esistenza con una forza più dirompente del territorio che visita. La volontà di vivere  di un soldato, la volontà di dipingere di Corot lavorano incessantemente in lei producendo la consapevolezza della fragilità dell’esistenza, eppure della sua persistenza tenace.

Tenace come l’amore di Corot per gli alberi. Ascal riporta una frase di Van Gogh: “Corot ha disegnato e modellato ogni tronco d’albergo con la devozione e l’amore con cui avrebbe ritratto una persona”. Devozione che è possibile trovare all’opera anche nella natura, quando sia osservata da un animo che sa meravigliarsi.

“Si crede di vedere il mondo così com’è, ma la sua oggettività ci sfugge sempre e ciò che appare non è altro che l’intima relazione che si intrattiene con lui”, ecco perché la ricerca delle ragioni dell’arte di Corot coincide con la ricerca dei pensieri di Camille, il parente contadino, strappato alla vita con violenza. A volte, i due uomini sono indistinguibili nella memoria, ma ciò indica al lettore quanto il paesaggio influenzi le persone, intridendo loro l’animo.

Il libro, edito dalla casa editrice Pagine d’Arte, sempre attenta a corredare anche il più breve testo con immagini, presenta  alcuni cliché-verre: realizzati da Corot. La tecnica del cliché-verre consisteva nell’incidere un motivo sulla lastra di vetro precedentemente rivestita di uno strato opaco a base di collodio o di inchiostro da stampa, creando così un “negativo” che veniva utilizzato per sensibilizzare una carta fotografica. Tale mezzo era preferito da Corot poiché poteva disegnare sulla lastra con grande facilità e immediatezza. E le immagini sono talmente straordinarie che anche noi crediamo di condividere i ricordi di quel medesimo territorio! 

                                                                                           Rosa Pierno

Marco Furia ‘legge’ “Fiera in Transilvania” di Aba-Novák, 1938

Vilmos Aba-Novák, “Fiera in Transilvania”, 1938,
olio su tela, Nicolas M. Salgo Collection, Long Island, NY, USA

Nel 1938, Vilmos Aba-Novák dipinse “Fiera in Transilvania”.

Ai piedi di una non aspra catena montuosa, in un ampio spiazzo nei pressi di un borgo, è in pieno svolgimento una fiera contadina.

Uomini e donne, merci e animali occupano circa la metà della tela, mentre nella restante parte, oltre ai monti e al villaggio, è ritratto un cielo attraversato da nuvole.

L’occhio è subito attirato da simile scena.

In particolare, i carri protetti da tondeggianti coperture costituiscono una vera e propria sinfonia visiva cui fa da contrappunto quella dei tetti che, dal basso, risalgono verso un poggio su cui svetta un alto campanile.

Si nota una pacifica animazione.

Gli individui parlano tra loro ed esaminano con attenzione i prodotti in un’atmosfera di vigile compostezza.

È presente una diffusa spontaneità mercantile che, certamente di origini molto antiche, non sembra avere intenzione di venir meno nel futuro: ancora per molto tempo si svolgeranno fiere nelle piazze.

L’osservatore entra nel quadro e si perde.

Occorre davvero aguzzare lo sguardo per individuare i singoli aspetti di quell’attraente, complessa, animazione.

Si scorgono, così, uomini che contrattano il prezzo di tranquilli bovini, venditori di 

vasi e piatti, venditrici di stoffe e, un po’ dovunque, ceste, brocche, secchi.

Al centro, un personaggio femminile si allontana solitario: forse ha trovato ciò che cercava, forse no.

Il suo incedere è malinconico, poiché teso a raggiungere un borgo al momento pressoché deserto.

Su tutto domina lo svettante campanile.

A mio avviso, questi espressivi tratti di Aba-Novák riguardano il genere umano e, assieme, la Terra.

Qualcosa di geologico è presente in un dipinto in cui il suolo, sul quale poggiano esseri viventi, carri, merci e abitazioni, assume un ruolo non secondario.

Sembra quasi, nel seguire i profili dei non dirupati rilievi, di avvertire la rotazione terrestre attorno al Sole.

Perfino le bianche, gonfie, nubi paiono muoversi.

Quegli individui, pur occupati nei loro commerci, non possono essere dimentichi dell’incessante divenire naturale, poiché quest’ultimo è intimamente congiunto alla loro esistenza di contadini, allevatori, artigiani.

La merce esposta deriva da un lavoro impegnativo ma non alienante.

Non si nota nulla di astratto o d’illusorio in un’affascinante opera capace di raffigurare, in maniera diretta ed efficace, dimensioni specifiche e anche universali.

Quei personaggi dai gesti misurati, tra quei carri pronti a ospitare le merci in caso d’improvvisa pioggia, sono ben consci del valore di una Terra sulla cui superficie conducono quotidianamente la loro esistenza.

Lo stesso campanile, il cui basamento affonda nel terreno, mostra l’umana propensione per una trascendenza religiosa radicata, in ogni modo, quaggiù.

Il genere umano è indissolubilmente legato al suo ambiente naturale: gli uomini e le donne di “Fiera in Transilvania” non hanno alcun bisogno di ricordarlo, perché non l’hanno mai dimenticato.

                                                                                                 Marco Furia 

Bruno Di Pietro “Baie” Oèdipus, 2019

La voce di Bruno Di Pietro, nel suo ultimo lavoro poetico Baie,  Oèdipus, 2019, quella sua più intima, si eleva spossata e provata di fronte al mare. È certamente una voce che parla da una posizione esistenziale avanzata, quella da cui si potrebbero voler tirare le somme dell’avere dato, dell’avere avuto.

Il tempo dell’infanzia coincide con il tempo privo di battiti, quello degli dei, e ciò fa scoprire al poeta che la pienezza umana non è un altrove. Eppure è condizione non ancora compresa nel tempo adulto, quando ancora pareva che le parole mancassero, che ci fosse un “non ancora”, qualcosa di irrealizzato che richiedeva a gran forza di agire per agire.

Fra mancanze e cose non andate per il verso giusto, nell’età tarda, probabilmente non è nemmeno possibile una conta. Ciò che è mancato resta come scolpito in negativo, un calco ingombrante, da cui bisogna prendere congedo, senza che si sia mai potuto modellare a proprio piacimento. Restano, però, i desideri ancora vivi e reclamanti. I ricordi e le percezioni divengono presenti, materia non classificabile in alcun modo.

Un battito, un respiro continuo, quello del mare che si solleva e cala come fosse l’onda dei propri pensieri: “l’odore della sponda incanta / l’onda cala / si allontana il mare”. E sul ritmo dell’onda pare conformarsi anche il ritmo poetico con una versificazione che si espande e si ritrae come l’acqua sulla battigia: “chi ama / non dispera / (dimmi una bugia / ma che sia vera)”.

Il resoconto esistenziale si rivela ben presto impossibile da portare a termine; le voci interiori e le visioni divengono battenti, riempiono ogni slargo, trascinano in luoghi totalmente ideali, dove il dialogo con l’altro, con la sua mancanza indefinita, diviene centrale. L’assenza sofferta è divenuta offerta veemente. L’incalzante voce di Di Pietro non le lascia tregua, non le chiede di farsi corpo, ma pretende le risposte non avute. 

Ben presto è il mare a divenire il vero interlocutore, o comunque a fungere da battitore doppio:

porta la tua voce ignoti suoni

apre fughe profonde

(allude riparo alle tue sponde)

ove l’uso di parentesi è segno di una replica a se stesso, sorta di controcanto, nascente da una consapevolezza disillusa. Se si illuse, il poeta, fu in ogni caso consapevole delle proprie illusioni. 

Con un pacato ragionamento a posteriori, la proiezione del presente sul passato rovescia i termini prospettici: lì dove la giovinezza ha preteso irruenza, ora le parole sono piane e gli amanti, poiché l’amore e la più divina delle esperienze, possono rivolgersi parole sagge, di copioso miele. Un miracolo si compie: 

amo ascoltare la tua bellezza 

nella voce che è acqua e vento 

sento la fresca essenza della brezza

l’odore del sale l’attesa dell’evento

L’altrove è il luogo ritrovato, luogo delle unioni impossibili eppure realizzate, cortocircuito temporale, dove il passato si fa evento presente. Immagine idilliaca sottolineata da un rincorrersi delle rime che rende levigato lo scorrere dell’immagine onirica, discosta ora dal rumore delle onde.

Non può durare, e lo si avverte proprio dalla sonorità che si fa più aspra e franta. Ritornano le immagini reali, della sparizione immotivata, di una storia che non è stata, e non per questo è meno dolorosa. L’amore è davvero ciò in cui riassumere una vita, ciò che travolge il tempo, mentre la sua assenza lo fa dilagare. Scrivere di amore, fosse pure relegato nel passato, vuol dire scrivere dell’unico “repertorio dell’eterno”.

Un certo cinismo relativo al racconto di esperienze incompiute o infelici, in vista del volgere della parabola esistenziale, completa una silloge con ironiche briciole testamentarie: “l’odore del disfacimento / sono cose smisurate / (darò un avvertimento)”, mentre sempre più trancianti si faranno i virtuali dialoghi. Una brevità che ha la sintesi densissima di un epitaffio. Se è possibile un ritorno, esso coincide con il ripercorrere i dolci frutti della rimembranza. Il mare di notte confonde i pensieri di tutte le cose che non tornano.

in un altrove aereo o marino

forse nell’ultimo lembo di terra

al confine di ogni pensabile destino

ai margini sconfinati di un deserto

nell’incerto che inclina alla speranza

noi ci ritroveremo

allora sarà detta la parola giusta

quella che fugge la noia dell’indicibile

daremo altro nome a tutte le cose

liberi dalla paura di morire,

esaurito ogni dove, di esaurire ogni dire

                                                              

L’indicibile, l’invisibile, messi con le spalle al muro, sono costretti a dire e a farsi vedere. L’altrove è la zona in cui entrambi sono costretti a venire a patti, a divenire concrete monete di scambio. Non c’è più tempo per concetti inafferrabili, tutto il consueto viene dismesso: c’è già l’amore, la sfuggente preda, a cui dare la caccia, da afferrare prima di non essere più. L’amore, che deve restituire alla vita il suo vero peso, è l’ultima delle chimere per Bruno Di Pietro, che seppure l’afferrerà per diffrazione, come un’eco, avrà comunque posato sulla bilancia una cornucopia di poesie.

                                                          Rosa Pierno

“Arte e arti. Pittura, incisione e fotografia nell’Ottocento” presso la Pinacoteca Cantonale di Züst a Rancate (Mendrisio) dal 20 ottobre al 2 febbraio 2020

Che l’Ottocento sia secolo denso di scoperte entusiasmanti e prolifico al punto da gettare le basi per i movimenti più importanti degli inizi del Novecento è tema caro a Matteo Bianchi, il quale è curatore della mostra, con la collaborazione di Mariangela Agliati Ruggia e di Elisabetta Chiodini: “Arte e arti. Pittura, incisione e fotografia nell’Ottocento”, che si tiene presso la Pinacoteca Cantonale di Züst a Rancate (Mendrisio). Il museo offre sovente panoramiche ragguardevoli su questo secolo controverso, testimoniandone la ricchezza e la fertilità degli apporti, ma, in particolare, la presente esposizione ha un impatto fortemente conoscitivo, poiché indaga le relazioni che si sono instaurate tra pittura, incisione e fotografia e indica come la pittura e l’incisione siano cambiate dopo la comparsa della fotografia nel 1839.

La mostra documenta, dunque, con una ricca serie di documenti storici, artistici e tecnologici, come fu recepito l’ingresso della fotografia nel mondo dell’arte, non escluse le vignette umoristiche di Nadar o le testimonianze letterarie, fra le quali spicca quella di Baudelaire che ironizza sulla sua esaltazione, esprimendo forti riserve sul nuovo mezzo. 

Se i linguaggi sono irriducibilmente diversi, la loro capacità di dialogo però sorprende, dando luogo a reciproche influenze e imprevisti sviluppi. Non solo la pittura accentua la sua capacità di creare parvenze, ma anche l’incisione, che fino a quella data era in massima parte legata alla riproduzione delle opere d’arte, si apre a un mondo d’invenzione. D’altra parte, come racconta Pietro Sarto “La fotografia è nata nell’atelier dell’incisore e non lo ha mai lasciato del tutto” poiché deriva, in particolare, dalla scrittura della luce insita nell’eliografia. La fotografia, grazie a questa vicinanza, tende, a sua volta, a tradurre la realtà attraverso la sensibilità pittorica. Pertanto, la fotografia, fin da subito, si eleva all’altezza dell’arte come recita la didascalia della celebre litografia di Daumier che coglie uno svolazzante Nadar in atto di fotografare i tetti di Parigi, al modo in cui la pittura ha l’agio di svincolarsi dall’obbligo della mimesi, grazie alla nuova tecnica.

“La riproduzione dell’immagine e l’azione della luce senza l’intervento della mano, sono tratti specifici del carattere della fotografia” come ci spiega il curatore, ma sono anche la via attraverso la quale l’incontro tra incisione e fotografia si realizza nello spazio ideale rappresentato dal cliché-verre, di cui si possono ammirare in mostra i rarissimi esemplari: in essi si scorge “lo scambio linguistico dell’autografia, dell’eliotipia e in particolare della litografia con la fotografia”. Fra i suoi massimi interpreti si trovano “Corot e Daubigny, con prove di passaggio compiute in parallelo ai dipinti” e che, presenti in mostra, consentono di ammirare la facilità e l’immediatezza del segno (Corot preferisce, infatti, disegnare su vetro che incidere su rame). Un’approfondita escursione attraverso l’arte francese ci fa intravedere il laboratorio in cui Vallotton, Daumier, Corot, e i pittori di Barbizon elaboravano i propri temi, seguendo dappresso lo sviluppo delle possibilità offerte loro dal mezzo  fotografico.

La fotografia si dichiara subito alleata dei pittori e, anzi, da essi stessi è spesso realizzata, naturalmente non solo quando la tecnica viene utilizzata nel modo più lineare e diretto, qual è quello di un’indagine sul vero per lo studio delle luci e delle ombre o per fermare i dettagli, come accade in Umberto Dell’Orto o come, in Achille Tominetti, il quale, inoltre, cataloga il proprio lavoro, divenendo egli stesso in grado di stampare e sviluppare in autonomia i propri negativi. Lo scarto tra la fotografia e la pittura dona l’opportunità ai fruitori della mostra di cogliere con un solo colpo d’occhio la distanza tra le due forme espressive, ma anche la loro complementarietà: a volte la fotografia si struttura quasi come uno scheletro del manto pittorico. Fissare i dettagli, come fa Francesco Paolo Michetti è azione resa più facile dalla fotografia, la quale offre una grande varietà di visioni dal vero che spesso l’artista sussume in un’unica immagine. Quest’ultimo utilizza una macchina fotografica stereoscopica attento com’è alla restituzione tridimensionale dei corpi pur nella bidimensionalità della pittura.

Giovanni Segantini si serve della riproduzione fotografica per variare il motivo originario iterando in una serialità discontinua i molteplici valori chiaroscurali. Scegliere l’inquadratura del soggetto pittorico, e attraverso la fotografia verificarne la validità, è un’esigenza avvertitissima da Pietro Chiesa. Un uso assiduo del mezzo viene fatto da Filippo Franzoni, traendone suggestioni che appaiono importanti per lo sviluppo della sua pittura, soprattutto in vista della maggiore importanza data ai rapporti tonali e della minore importanza data ai dettagli o quando, come accade nei suoi ritratti, utilizza, nel fotografare, un’illuminazione che produce forti contrasti e che rivela nella resa pittorica una marca fortemente espressiva. Anche per numerose opere di Luigi Rossi, l’uso dell’immagine fotografica si rivela mezzo di studio e di interpretazione del reale, ma egli non ne sfrutta le possibilità di mimesi, bensì amplia la divaricazione esistente tra visione reale e visione ideale: quest’ultima incuneando una narratività e un’empatia di forte impatto rispetto al mero dato fotografato.

La fotografia entra anche come suggeritore di tagli orizzontali per quel che riguarda i paesaggi, nei quali i borghi lacustri o le catene di monti o gli ampi pascoli sono colti specialmente in modo frontale, dando luogo a panoramiche coinvolgenti, come nel caso di Filippo Carcano. Giuseppe Pellizza  da Volpedo, invece, utilizza l’immagine fotografica come verifica ambientale per i suoi paesaggi, esplorandone la complessità luminosa e cromatica.

A loro volta, dunque, gli artisti divengono fotografi,  cercando di enfatizzare, attraverso l’ausilio di tale mezzo, gli effetti di luce capaci di rendere abbacinante il candore delle camicie delle popolane o setose le loro trecce, rincorrendo, dunque, una restituzione che s’apparenta alla pittura. Attraverso i tagli prospettici inusuali (la donna ritratta di tre quarti che occupa una soglia) e l’indagine sugli arditi contrasti, le foto scattate dai pittori registrano poco del reale e quindi il pubblico è restio ad acquistarle; al contempo, la pittura si volge all’inseguimento dei più flebili bagliori, dello scorrimento della luce attraverso modulazioni infinitesime, come nel caso di Federico Faruffini. Un valido supporto la fotografia lo fornisce anche per la ricerca della spontaneità delle pose, che, come Camillo Boito notò per Eleuterio Pagliano, “riproduce la natura senza discuterla né correggerla”. Le fotografie vengono utilizzate dagli artisti per cogliere alcune tipicità prelevate dal vero, per trasferire l’aspetto verosimigliante e il moto della figura nella scena del dipinto, che, ad esempio, Luigi Monteverde è attento a restituire pittoricamente.

Appare ancora più utile l‘apporto della fotografia, quando, anziché dal disegno, dal modellato e dal colore, la figura nel suo ambiente si trasforma in macchie, luci e cromìe, così come perseguito da Giuseppe Barbaglia. Oppure quando, Pompeo Mariani cambia l’impaginazione fotografica smontandola e ricomponendola e trasferendo il risultato dello studio nel disegno e nel  quadro in mostra.

In tale fittissimo dialogo lo scambio diviene fecondo, generando un’attenzione portata con urgenza verso gli aspetti del visibile e del percepibile e in tal guisa i due mezzi non divengono contraddittori o antagonisti, ma si supportano, tastando i vicendevoli limiti e sviluppando ulteriori possibilità espressive. L’accuratissimo catalogo, edito da Skira,  dettaglia, spiega e documenta e si offre come strumento di riflessione e studio per una miniera di immagini che non è sufficiente vedere una sola volta.

                                                                                  Rosa Pierno